Wczesny język włoski
- Uccello, Święty Jerzy i smok, ok. 1450, Florencja
Historia tego obrazu to chrześcijańska legenda o smoku, który porwał księżniczkę. Księżniczka zaczarowała smoka i związała go swoim pasem, ale nie mogła uciec. Szlachetny Jerzy przyszedł jej na ratunek i zabił smoka. W Galerii Narodowej znajduje się wiele obrazów świętego Jerzego, ponieważ jest on patronem Anglii. Uccello starał się pokazać perspektywę krajobrazu poprzez rozmieszczenie jasnych i ciemnych obszarów na ziemi. Linie ukośne są ważne w tym obrazie. Linia utworzona przez skrzydło i nogę smoka idzie w tym samym kierunku co włócznia Jerzego, podczas gdy korpus i ogon idą w przeciwnym kierunku.
- Piero della Francesca, Chrzest Chrystusa, ok. 1450, Umbria
- Mantegna, Agonia w Ogrójcu, 1460, Mantua
- Pollaiuolo, Męczeństwo Świętego Sebastiana, 1475, Florencja
Historia tego obrazu wywodzi się z mitologii rzymskiej. Mars, bóg wojny, kochał się z Wenus, boginią miłości. Jest tak zmęczony, że nie wie, iż małe fauny bawią się jego bronią. Ale jeden z nich właśnie zamierza głośno dmuchnąć mu w ucho wielką muszlą. Przesłaniem tego obrazu jest to, że miłość może zwyciężyć nad wojną. Projekt oparty jest na dużym W., co sprawia, że obraz jest symetryczny. Botticelli zrobił to dla sypialni Giuliano de'Medici, bogatego szlachcica z Florencji. On namalował Marsa, aby wyglądał jak Giuliano i Wenus, aby wyglądała jak jego dziewczyna, ale Giuliano nie miał dużo czasu, aby cieszyć się jego obrazami, ponieważ został zamordowany tylko krótki czas później.
Wczesne malarstwo północnoeuropejskie
Wilton Diptych jest jednym z najcenniejszych obrazów w Galerii Narodowej, ponieważ większość małych dzieł sztuki z okresu średniowiecza w Anglii została zniszczona. Obraz ten przedstawia króla Anglii Ryszarda II przedstawionego Marii Pannie przez swoich trzech świętych patronów. Jest namalowany temperą, kolory są mieszane z jajkiem. Słowo "dyptyk" oznacza, że obraz składa się z dwóch części i można go zamknąć jak książkę. Tło pokryte jest cienko bitym złotym listkiem. Błękit jest zrobiony z mielonego kamienia półszlachetnego, lapis lazuli. Być może został namalowany jako prezent ślubny dla króla podczas jego pobytu we Francji.
- Jan van Eyck, Wesele w Arnolfini, 1434, Belgia
- Hans Memling, Dziewica z Dzieciątkiem ze świętymi i darczyńcami, 1477, Brugia
- Rogier van der Weyden, Pieta, ok. 1460, Bruksela
- Hieronymous Bosch, Ośmieszanie Chrystusa, ok. 1480, Bois-le-Duc
- Albrecht Durer, Ojciec malarza, 1497, Norymberga
Obraz ten jest ołtarzem dla kościoła. Przedstawia on Matkę Boską siedzącą jak królowa na tronie z Dzieciątkiem Jezus. Oddają mu cześć trzy święte kobiety i człowiek, który zapłacił artyście za wykonanie obrazu dla kościoła. Jest on nazywany "darczyńcą". Wszystko na obrazie zostało namalowane bardzo szczegółowo, ubrania, kafelki, biżuteria, budynki i kwiaty. Wiele z tych rzeczy na obrazie to symbole. Mały piesek jest symbolem wierności. Lilie są symbolem czystości Matki Boskiej. Obraz nie przedstawia części historii ani momentu w czasie. Obraz został namalowany, aby pomóc widzowi uspokoić umysł do modlitwy.
- Lucas Cranach, Kupidyn ukąszony przez pszczołę, 1522, Weimer
- Hans Holbein, Ambasadorowie, 1533, urodzony w Augsburgu, zmarł w Londynie. Zobacz poniżej.
- Pieter Breughel Starszy, Adoracja Królów, 1564, Bruksela
Włochy w latach 1500
- Leonardo da Vinci, Dziewica na skałach, ok. 1506, Mediolan. Patrz poniżej.
- Michał Anioł, Pojmanie Chrystusa, ok. 1506, Rzym. Patrz poniżej.
- Rafael, Madonna Ansidei, ok. 1505 r,
- Giorgione, Adoracja Królów, 1507, Wenecja
Ten obraz pochodzi z mitologii greckiej. Księżniczka Ariadna została rozbitkiem na Naksos, wyspie Bachusa. Bachus widzi Ariadnę i zakochuje się w niej od pierwszego wejrzenia. Tycjan ukazuje go skaczącego z rydwanu ciągniętego przez gepardy, podczas gdy Ariadna odwraca się, by uciec. Ale Ariadna spojrzała w oczy Bachusa i też się zakochała. Na niebie widnieje korona z gwiazd, którą Bachus podarował jej na ślubie. Tycjan namalował ruch spiralny w wielu postaciach. Można go dostrzec w czerwonej chuście Ariadny. Mimo, że obraz ten dotyczy mitologii, postacie są bardzo realistyczne.
- Lorenzo Lotto, Dama jako Lukrecja, 1530, Wenecja
Portret ten przedstawia kobietę w bogatej sukni z aksamitu, trzymającą rysunek Lukrecji, szlachetnej kobiety starożytnego Rzymu, która popełniła samobójstwo, dźgając się nożem po tym, jak została zgwałcona. Obraz mógł być wykonany dla rodziny, która chciała, aby ich córka dobrze wyszła za mąż. Symbolika obrazu pokazuje po pierwsze, że młoda kobieta jest bogata, a po drugie, że jest czysta seksualnie. Te dwie rzeczy były ważne w tworzeniu dobrego małżeństwa. Lotto użył kontrastu kolorów w pomarańczowej i zielonej sukni, aby uzyskać bogaty efekt. W niezwykły sposób wykorzystał również kontrast tonalny. Bardzo jasne obszary, takie jak jej twarz, biust i ręka, stanowią centrum obrazu. Po prawej stronie znajdują się trzy kolejne bardzo jasne obszary: rysunek, dłoń i nuta. Układ ten jest asymetryczny.
Włochy, Francja i Hiszpania w latach 1600
Obraz ten oparty jest na historii z Biblii. Dwaj uczniowie Jezusa szli drogą do Emaus, rozmawiając ze smutkiem o śmierci Jezusa. Szedł z nimi pewien mężczyzna, którego początkowo nie znali. Tego wieczoru, jedząc kolację w gospodzie, nagle poznali, że to Jezus, który zmartwychwstał i teraz żyje. Caravaggio ukazał ten moment w czasie jak na fotografii. To, co sprawia, że obraz wydaje się tak realny, to światło, ruch i szczegóły. Caravaggio namalował światło padające z jednej strony, jak gdyby była tam duża lampa. Głowa karczmarza tworzy za Jezusem cień, który jest jak aureola. Obraz uchwycił jedną sekundę, w której Jezus podnosi rękę, jeden mężczyzna wstaje, a drugi wyrzuca ręce. Tylko karczmarz pozostaje nieruchomy. Widok ręki Jezusa, ramiona mężczyzny i łokieć drugiego mężczyzny są zniekształcone. Szczegóły ukazują zwykłych ludzi w zwykłych ubraniach, starych i podartych. Jest też martwa natura kosza na brzegu stołu. Oświetlenie i realizm Caravaggia były kopiowane przez wielu innych malarzy, w tym Rembrandta i Velazqueza.
- El Greco, Chrystus wypędzający handlarzy ze świątyni, ok. 1600, Toledo
- Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Rzym
- Claude Le Lorrain, Odejście królowej Saby, 1648, Francja i Rzym
Ten wyimaginowany krajobraz oparty jest na historii z Biblii. W tej scenie królowa Saby wyrusza w podróż z Afryki do Palestyny, aby spotkać się z królem Salomonem. Ale tak naprawdę artysta chciał pokazać mgliste światło porannego wschodu słońca nad morzem. Namalował również trzy różne rodzaje budynków. Po lewej stronie znajdują się starożytne ruiny, takie jak te, które artysta widział w Rzymie. W tle znajduje się zamek i wieża z czasów średniowiecza. Po lewej stronie królowa wychodzi z wielkiego pałacu w nowym stylu renesansu. W tym obrazie nie ma nic wspólnego z Afryką czy Palestyną. Chodzi o Rzym. Ukazując królową Saby, Poussin mówi, że miasto Rzym, z całą swoją 2000-letnią historią, jest jak najpiękniejsza i najinteligentniejsza królowa, jaka kiedykolwiek żyła. Ten rodzaj malarstwa nazywany jest "alegorią".
Obraz ten jest sceną z mitologii rzymskiej. Kobiety są nimfami, duchami lasu. Niektórzy z mężczyzn są satyrami i mają kozie rogi i kopyta. Mieszkają na Naksos, wyspie Bachusa, i spędzają dużo czasu upijając się, tańcząc i kochając. Na tej dzikiej imprezie nawet niemowlęta piją wino. Jedna z nimf ma zamiar rozbić dzban z winem na głowie satyra, który próbuje pocałować jej przyjaciela. Poussin użył dużych płaszczyzn o jaskrawych kolorach. Na początku obraz wygląda jak zlepek ciał, ale wszystko jest bardzo starannie ułożone, aby nadać całemu obrazowi efekt tańca. Duży trójkątny kształt zawiera wszystkie postacie. Na zewnątrz trójkąta po prawej stronie znajduje się posąg Pana. Po lewej stronie znajduje się piękny krajobraz.
- Diego Velazquez, Wenus z Rokeby, 1649, Madryt.
Ten obraz pochodzi z mitologii rzymskiej. Przedstawia on Wenus, boginię miłości i piękna, patrzącą w lustro trzymane przez jej syna Kupidyna. Velazquez spędził większość czasu na malowaniu portretów dla hiszpańskiej rodziny królewskiej i jej krewnych. Jest on jednym z najsłynniejszych malarzy portretowych wszech czasów. Ale ten obraz prawdopodobnie namalował dla siebie, a kiedy to zrobił, naraził się na poważną karę. W Hiszpanii, choć rządził król, Kościół sprawował kontrolę. Obserwował wszystko, co wszyscy robili i kazał bardzo wielu ludzi skazać na śmierć. Malowanie nagich obrazów, takich jak ten, było w Hiszpanii niezgodne z prawem. Velazquez był bardzo ostrożny, aby pokazać tylko jej plecy. Obraz twarzy nie jest zbyt wyraźny. Stare lustra nie były tak przejrzyste jak współczesne. Być może Velazquez chciał ukryć twarz kobiety dla jej ochrony. Układ i kolorystyka na tym obrazie jest bardzo prosta. Wdzięczne linie ciała są powtórzone w szaro-białym nakryciu łóżka. Czerwona zasłona znajduje się pod tym samym kątem co głowa kobiety i ma ciepły kolor, podobnie jak jej różowe ciało.
- Murillo, Dwie Trójce, 1681, Sewilla
Holandia i Flandria w latach 1600
- Gerrit von Honthorst, Chrystus przed arcykapłanem, 1617, Utrecht
Rembrandt jest najbardziej znany jako malarz portretów, w szczególności wielu autoportretów, które rejestrują jego życie od czasów, gdy był nastolatkiem do późnej starości. Namalował również wiele scen z Biblii, takich jak ta. Ojciec księcia Belshazzara zabrał naród żydowski do Babilonu jako niewolników. Belshazzar wydawał przyjęcie i wysłał sługi, aby przynieśli złote puchary, które zostały skradzione ze świątyni w Jerozolimie. Nagle pojawiła się dziwna ręka i napisała na ścianie wiadomość. Nikt nie wiedział, co ona oznacza, więc Balszazar zapytał Daniela, który był żydowskim prorokiem. Daniel powiedział: "Zostałeś zważony i zmierzony przez Boga. Nie spełniasz Bożych zasad. Twoje dni są policzone!". Ten obraz pokazuje jak wiele malarze holenderscy nauczyli się od Caravaggia. Obraz ten można porównać do Wieczerzy w Emaus. Jest to kolejna scena pełna dramatyzmu. Rembrandt umieścił dwie z postaci pod nietypowymi kątami. Ciało Belshazara jest zwrócone w stronę widza, ale jego głowa jest przekręcona, aby zobaczyć, co dzieje się za nim. Podnosząc się z krzesła, potrąca złoty puchar trzymany przez jedną z jego żon. Ona również znajduje się pod dziwnym kątem, ponieważ widz spogląda w dół na jej głowę i ramiona. Rembrandt stworzył kontrast między bogatą fakturą jego szat a zwiotczałą twarzą i grubym brzuchem.
- Anthony van Dyck, Karol I Angielski na koniu, 1631, Londyn. Patrz niżej.
- Peter Paul Rubens, Sąd w Paryżu, 1632, Antwerpia
Rubens był tak popularnym malarzem, że stał się bogaty i sławny. Malował portrety i wiele scen z Biblii i mitologii. Historia tego obrazu pochodzi z mitologii greckiej i rzymskiej. Parys był księciem, który został wychowany przez pasterza. Dostał złote jabłko i został poproszony o osądzenie konkursu piękności pomiędzy trzema boginiami: Juno - boginią rodziny; Minerwą - boginią wojny i Wenus - boginią miłości. Każda z nich oferowała nagrodę: bogactwo, sukces w walce i najpiękniejszą kobietę na świecie jako żonę. Parys wybrał to ostatnie i podarował jabłko Wenus. Rozgniewało to dwóch bardzo potężnych ludzi. Parys nie zdawał sobie sprawy, że najpiękniejsza kobieta na świecie, Helena Trojańska, była już mężatką. Rubens namalował obraz, który miał zdobić ścianę w domu bogatego mecenasa. Obraz ma wiele szczegółów, które pomagają opowiedzieć historię. Należą do nich mały Kupidyn, pies pasterski, paw Junony, przerażająca tarcza Minerwy i owce pasące się w pięknym krajobrazie. Jednak najważniejsze na obrazie są trzy piękne akty. To właśnie one sprawiły, że obrazy Rubena stały się tak popularne.
- Franz Hals, Grupa rodzinna, 1640, Antwerpia
- Pieter der Hoogh, Dziedziniec w Delft, 1658, Delft. Patrz poniżej.
- Johannes Vermeer, Młoda kobieta przy dziewicach, ok. 1670, Delft. Patrz poniżej.
- Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis
Malarstwo pejzażowe stało się bardzo popularne w Holandii w 1600 roku. Na tym obrazie perspektywa jest bardzo ważna. W bardzo płaskim kraju może być trudno ocenić, jak daleko znajdują się poszczególne przedmioty. Hobbema wykorzystał prostą drogę z dwoma rzędami wysokich drzew, aby dać poczucie, jak daleko znajduje się miasto. Na pierwszy rzut oka obraz ten wydaje się być dość symetryczny. Jednak Hobbema dodał wiele różnic, aby uczynić obraz bardziej interesującym, równoważąc dom z jednej strony z kościołem z drugiej i czyniąc dwa rzędy drzew zupełnie różnymi.
Lata siedemdziesiąte XVII wieku
- Watteau, Kochankowie, ok. 1720, Francja
- Giambattista Pittoni , Ofiara Polikseny, 1740, Wenecja
- Canaletto, Basen św. Marka w dniu Wniebowstąpienia, ok. 1740, Wenecja
- Chardin, Mały Nauczyciel, ok. 1740, Paryż. Patrz niżej.
- William Hogarth, Małżeństwo a la Mode ( historia w sześciu obrazach), 1743, Londyn
- George Stubbs, Rodzina w swoim Faetonie, ok. 1750, Anglia
W latach 1700 obrazy pejzażowe były popularne w Anglii, ale były czymś więcej niż tylko obrazami pięknych krajobrazów namalowanymi jako dekoracja pokoju. Większość obrazów pejzażowych była również zapisem rodziny i ziemi, którą posiadali. Były one oznaką bogactwa i statusu rodziny. Na tym obrazie właściciele ziemscy prezentują swój prywatny park z różnorodnymi drzewami. Pokazują również swoją wspaniałą parę koni i elegancki powóz zwany "phaeton". Powóz ten i konie są XVIII-wiecznym odpowiednikiem bardzo drogiego samochodu. Stubbs był najbardziej znany z malowania koni. Był mistrzem w komponowaniu pięknych obrazów. Tutaj stworzył równowagę między dużym modnym kapeluszem damy na tle ciemnego drzewa a czarnymi końmi na tle bladego nieba.
- Tiepolo, Alegoria miłości i czasu, 1754, Włochy
- Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londyn
- Thomas Gainsborough, Poranny spacer, 1786, Londyn
- Goya, Książę Wellington, 1812, Hiszpania i Francja
od 1800 r.
To jest smutny obraz. Jego pełna nazwa brzmi: "Walczący Temeraire" holowany do ostatniego miejsca postoju, gdzie ma zostać rozebrany na złom. To ostatnia podróż jednego z wielkich okrętów wojennych, który walczył dla Anglii przeciwko flocie francuskiej w bitwie pod Trafalgarem. Jej wysoki, elegancki kształt kontrastuje z brudnym, czarnym holownikiem z dymiącym lejkiem, który ją odholowuje. Turner, który był ekspertem w malowaniu morza, nieba i pogody, umieścił księżyc na niebie w pobliżu żaglowca. Księżyc jest w swojej ostatniej fazie. Po drugiej stronie obrazu wschodzi słońce, które świeci czerwoną poświatą jak ogień na wodzie. Ubywający księżyc jest symbolem przemijania epoki wielkich żaglowców. Płonące słońce na wodzie jest symbolem nowej ery silnika parowego.
- Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
- Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paryż
- Courbet, Kobiety na brzegu Sekwany, 1857, Francja
- Henri Fantin-Latour, Jabłka na talerzu, 1861, Francja
Ten obraz to martwa natura. W renesansie rzeźby przedstawiające martwą naturę były często częścią drewnianej dekoracji w ważnych pomieszczeniach pałacowych. W latach 1600 i 1700 obrazy martwych natur również stały się powszechne i najczęściej można je było zobaczyć w jadalni, gdzie owoce, kwiaty i zwierzęta, które zostały zabite dla mięsa, były modną dekoracją. W latach 1800 wielu artystów, takich jak Fantin-Latour, malowało małe martwe natury, aby ćwiczyć swoje umiejętności w aranżowaniu obrazu, studiowaniu światła i faktury. Wielu artystów malowało martwe natury, ponieważ byli zbyt biedni, aby zapłacić za modela lub pogoda była zbyt zła, aby malować pejzaże. Fantin-Latour wykonał wiele takich małych obrazków. Ułożył cztery jabłka o różnych kolorach i kształtach i zbadał, jak światło pada na ich zakrzywione powierzchnie.
Seurat był przyjacielem francuskich malarzy impresjonistów. Miał teorię, że wszystkie kolory składają się z wielu barw, które są porządkowane, gdy światło przechodzi do oka. Eksperymentował z kolorem, malując w drobnych kropkach. Jego styl malowania nazywany jest pointylizmem. Wykonanie tego dużego obrazu zajęło dużo czasu. Mimo że jest to scena na świeżym powietrzu z wieloma postaciami, jest bardzo nieruchomy, jakby czas się zatrzymał. Gdy przyjrzeć się obrazowi z bliska, można zauważyć, że nawet te części, które wydają się białe lub czarne, składają się z setek maleńkich kropek koloru.
- Vincent van Gogh, Pejzaż z sosną cyprysową, ok. 1890, Francja
Vincent van Gogh miał trudne i niespokojne życie. Urodził się w Holandii, ale malował we Francji. Miał bardzo niewielu przyjaciół i z trudem sprzedawał swoje obrazy. Na szczęście miał wsparcie swojego brata Theo i lekarza, dla którego malował obrazy. Ten pejzaż jest dobrym przykładem jego stylu. Na obrazie wszystko wydaje się mieć własne życie. Chmury są jak wielkie bestie, które toczą się po niebie, falujące zboże sięga jak ręce, góry dudnią, a sosna cyprysowa wygląda dość groźnie. Vincent użył każdego pociągnięcia pędzla, by pomóc stworzyć ten płomienny ruch. Inną ważną rzeczą w tym obrazie jest kontrast. Kolory zmieniają się od ciepłego czerwono-pomarańczowego do lodowato-niebieskiego. Wielkie ciemne drzewo po prawej stronie kontrastuje tonalnie z białymi chmurami. Pionowy kierunek drzewa kontrastuje z poziomym kierunkiem krajobrazu. W roku 1890, Vincent odebrał sobie życie po namalowaniu setek obrazów w ciągu zaledwie pięciu lat.
.jpg)
.jpg)
